lunes, 23 de marzo de 2020

Stefano de Luigi

Stefano de Luigi es un fotorreportero italiano (nacido en 1967 en Colonia, Alemania, vive en París) que entiende la fotografía como una forma de autoanálisis, como una herramienta para entenderse a sí mismo y a los demás más profundamente. La representación de la humanidad es la razón de ser de su trabajo e investigación, con los crea potentes e interesantes proyectos documentales. Es miembro de la Agencia VII desde 2008.


© Stefano de Luigi
© Stefano de Luigi




Biografía

Stefano de Luigi nació en Colonia y ha pasado su vida entre Roma, Milán y París. Aunque ya no esté de moda, se siente profundamente europeo y eligió el lenguaje de la fotografía para convertirlo en su idioma por que es universal. Es fotógrafo desde 1988, tras asistir a 2 años de cursos en el Instituto Superiore di Fotografia (ISF) en Roma, tras lo que se  trasladó a París de 1989 a 1996, trabajando, entre otros, para el Museo del Louvre.

En 1998 completó el proyecto Celebrities, sobre el mundo de la moda, recibiendo en 2000 una  Mención Honorífica en el Premio Leica Oskar Barnack. Ese mismo año comenzó el proyecto Pornoland, un viaje fotográfico por los platós de cine pornográfico, publicado como libro en 2004, con un texto de 16 páginas del escritor inglés Martin Amis. Pornoland ha sido publicado por Thames & Hudson, Knessebeck, La Martiniére y Contrasto. Esta serie se expuso en la galería REA en París en 2004, la galería Santa Cecilia de Roma en 2005, Lanificio en Nápoles en 2006, Festival Transphotographiques en Lille en 2007 y en el Festival de Fotografía de Nueva York en 2011.

De 2003 a 2010, trabajó en Blindness, su trabajo más importante, un proyecto fotográfico sobre la condición de vida de las personas ciegas y con baja visión en Liberia, Nigeria, Uganda, Ruanda, Congo, Perú, Brasil, Bolivia, Tailandia, China, Laos, Vietnam, Bulgaria y Lituania. Recibió el patrocinio de Vision 2020- Organización Mundial de la Salud y ganó la beca W.E. Smith Fellowship Grant en 2007. Esta serie se convirtió en el libro Blanco que ganaría el POYi Best Photography Book Award en 2011.

En 2006 se embarcó también en el proyecto Cinema Mundi, una exploración del cine mundial ajeno a Hollywood, incluyendo China, Rusia, Irán, Argentina, Nigeria, Corea del Sur e India, que dio lugar a un cortometraje de 7 minutos proyectado en el Festival Internacional de Cine de Locarno en 2007.  En iDyssey pretende combinar dos extremos de nuestra cultura: pasado y futuro. La primera novela épica de nuestra historia occidental transmitida a través de los medios más contemporáneos, como el iPhone.

Sus fotografías han sido publicadas en Stern, Paris Match, Le Monde 2, Time, The New Yorker, Internazionale, L'Espresso, Geo, Vanity Fair, El Pais y Sunday Time Magazine. Ha expuesto en la Sede de la OMS en Ginebra en 2010), VII Gallery en Nueva York en 2010), 10b Gallery en Roma en 2010,  Museum of Modern Art en Rovereto en 2011, Atenas Photofestival en 2011 y 2015, Fondazione Stelline en Milán en 2013, FotoIstanbul en 2015, Candiani Cultural Center en Venecia en 2017, Galería Plenum en Catania en 2018, Museo del Palazzo Ducale en Genes en 2019.

Ha sido galardonado en el World Press Photo en 4 ocasiones y en diferentes categorías. En 2009, Moving Walls de la Open Society Foundation expuso su trabajo en Washington y Nueva York. En 2010 obtuvo el Premio Internacional de Fotoperiodismo Days Japan y la Beca Getty de Fotografía Editorial. En 2013 el Prix du Festival de St-Brieuc.





Referencias





Libros

  • Pornoland, 2004.
  • Blanco, 2010.
  • iDyssey, 2017.
  • Babel, con Michela Battaglia, 2018.

sábado, 21 de marzo de 2020

Eric Rumeau

Eric Rumeau es un fotógrafo francés (nacido en Sote, vive y trabaja en Toulouse) cuya obra gira en torno al rostro humano de los problemas sociales, en un mundo en transición, explorando el límite entre la realidad y la ficción, para separarse de la realidad y así revelarla mejor.


© Eric Rumeau
© Eric Rumeau


Nuestros sueños son a menudo una reproducción de la vida real, con ligeras modificaciones que los hacen incongruentes. Nos sorprenden como algo extraño, y luego se evaporan.


Biografía

Eric Rumeau descubrió la fotografía a la edad de 16 años, pero con 23 años tomó la difícil decisión de continuar su carrera como ingeniero. Después de un período muy largo de inactividad fotográfica, re-asumió su vocación, empezando un reciclaje profesional que le ha llevado a realizar una serie de proyectos que ha expuesto en diversos festivales y galerías de Francia.

Como ejemplo, sus series Refuge de l’ombre (un retrato de una antigua mina de sal que se convierte en un refugio, difuminando nuestros rumbos y desestabilizando nuestra percepción de la realidad), Retour à l’équilibre (una especie de tableaux-vivants capturados en eco-aldeas de sur de Francia donde “la vida se convierte en película”)  y Les yeux fermés (un mundo onírico gracias al uso de colores saturados que contrastan con una intensa oscuridad) se proyectaron en el festival Manifesto de Toulouse, y la ya citada Refuge de l’ombre en el Festival de Emociones Fotográficas de Angulema, entre otras muestras.

Influenciado por los fotógrafos humanistas, sus imágenes revelan la vida cotidiana. Toma fotos de la vida real, en el sentido de tomar, de coger lo que se encuentra. Al disparar, no interviene en las situaciones que se le presentan, prefiriendo permanecer invisible en el acto de captura. Con esas imágenes recopiladas, construye un nuevo espacio-tiempo, onírico y ficticio. Luego se convierte en director de la realidad, buscando una nueva relación con ella, en un proceso que le permite desviar el significado entre el objeto representado y el significado que desea darle.

                                                                                                                                                                               

Referencias

jueves, 19 de marzo de 2020

Arkady Shaikhet

Arkady Shaikhet fue un fotoperiodista y fotógrafo ruso (nacido el 12 de septiembre de 1898 en Nikolaev, Ucrania, fallecido el 18 de noviembre de 1959 en Moscú, Rusia) muy reconocido en la historia de la fotografía soviética, principalmente por su estilo de "reportaje artístico", y por sus fotografías de industrialización en Rusia en las décadas de los años 20 y 30.


Komsomol Member at the Wheel, 1929 © Arkady Shaikhet
Komsomol Member at the Wheel, 1929 © Arkady Shaikhet


Shaikhet solía usar cámara baja y ángulos contra-picados para agrandar a sus sujetos. Sus fotos buscaron subrayar la monumentalidad soviética.



Biografía

Arkady Samoylovich Shaikhet nació en Nikolaev (Ucrania) en el seno de una familia pobre de judíos armenios. Trabajó como asistente de mecánico en la planta de construcción naval de su ciudad natal. En la Guerra Civil rusa sirvió en el Ejército Rojo en una banda de música. Enfermó gravemente de tifus con complicaciones en el corazón. Se mudó a Moscú en 1922 donde trabajó como retocador en el estudio de fotografía Rembrandt.

Un destacado funcionario soviético, viendo su creatividad, le aconsejó que se dedicara a los reportajes fotográficos y, pronto, sus primeras fotos aparecieron en el popular Periódico de los trabajadores, las portadas de la revista semanal Proletarios de Moscú, colaborando desde 1924 con las revistas Ogonyok, URSS en construcción, Nuestros logros, creando una crónica fotográfica de los primeros planes quinquenales en sus reportajes y documentando eventos como el funeral de Lenin, el primer reportaje fotográfico del desfile del Primero de Mayo, …

Su obra se produce en un momento de construcción de la Unión Soviética y de reconstrucción de Rusia tras la revolución. Su fotografía era precisa, bien compuesta y de una escala inmensa. En su fotografía hay un cierto diálogo con la Nueva Objetividad y el trabajo fotográfico de Albert Renger-Patzsch. En su trayectoria fotográfica ha dejado un buen numero de fotos icónicas como La lámpara de Ilich, Apertura de la central eléctrica de Shatursky, Expreso, la fotografía que acompaña este artículo y el foto-reportaje 24 horas en la vida de la familia Filippov que realizó con los fotógrafos Solomon Tules, Max Alpert y el editor Leonid Mezhericher para la revista comunista alemana AIZ (Arbeiter-Illustrieerte-Zeitungy) que se considera el primer foto-ensayo soviético.

Shaikhet experimentaba con los elementos formales y buscaba un lenguaje fotográfico adecuado para el comunismo. Su Asociación Rusa de Fotógrafos Proletarios era vista con buenos ojos por las autoridades soviéticas, no como el grupo Oktyabr (Octubre) de Alexander Rodchenko que también buscaba un idioma visual adecuado para mostrar al comunismo como un nuevo orden. Fue premiado en la muestra de 10 años de Fotografía Soviética (1928) y en la Exposición de Maestros de la Fotografía Soviética (1935).

La agencia Sovfoto, que desde 1932 distribuía la fotografía soviética en Occidente, incluyó sus fotorreportajes. Durante la II Guerra Mundial fue corresponsal de guerra para el Frontovaya Illustrasya (El Frente Ilustrado) donde realizó importantes imágenes sobre la Batalla de Stalingrado, la Liberación de Kiev y la captura de Berlín. Le fue otorgada la Orden de la Bandera Roja por acciones heroicas rescatando heridos del campo de batalla.

Terminada la guerra colaboró con el periódico Krasnoarmeiskaya Gazeta donde ilustró los trabajos de reconstrucción de la post-guerra así como la ocupación con tropas soviéticas en Alemania, y posteriormente con la revista Spark. Su corazón, debilitado por enfermedades de juventud, le causó graves problemas de salud. Murió en 1959 en su 4º infarto mientras hacía una sesión fotográfica para una revista técnica.



Referencias



Libros

  • Arkady Shaikhet (PHOTO HERITAGE), 2007.

martes, 17 de marzo de 2020

Sameer Makarius

Sameer Makarius fue un pintor, diseñador, decorador y fotógrafo argentino de origen egipcio (nacido en El Cairo, Egipto, el 29 de abril de 1924, fallecido en Buenos Aires, Argentina, el 3 de agosto de 2009) que retrató exhaustivamente la ciudad de Buenos Aires, convirtiéndose en su cronista por excelencia.


© Sameer Makarius
© Sameer Makarius

Me enamoré de La Boca, amo el lugar, si, así es. Me gusta la parte italiana, allí hay una hermandad y yo soy de La Boca, como mi nieto y la mitad del país.


Biografía
Sameer Fouad Makarius  nació en El Cairo de padre egipcio y madre judeo-alemana. En 1930, cuando tenía seis años, su familia se mudó a Berlín pero, al comenzar la segunda guerra mundial, la familia quiso volver a Egipto, quedando varada en Hungría. Makarius estudió arte en Budapest y se inició en la pintura y la escultura. Fue cofundador del Grupo Húngaro de Arte Concreto y miembro de la Escuela Europea. En 1944 expuso en la Primera exposición de Arte no Figurativo en Budapest. Su pintura era principalmente abstracta pero empezó a dedicar gran parte de su tiempo a la fotografía.

Makarius viajó, vía Suiza y Paris, a la Argentina. Llegó en 1953 con su compañera Eva Reiner y con su cámara Leica colgada al cuello. Enseguida comenzó a sacar fotos que conformarían un archivo de Buenos Aires fabuloso que ya no existe, registrando la vida de la gran ciudad: sus monumentos más conocidos, vendedores ambulantes, partidos de fútbol, familias domingueras, carreras de caballos, parques, el puerto, bares, teatros, agencias de lotería, grúas, detalles de herrajes de puertas, jaulas con canarios, ropa tendida, a decir verdad, todos los temas se fueron sucediendo durante sus visitas a todos los barrios de la ciudad. Pero su lugar preferido fue La Boca, un barrio de clase trabajadora, ubicado en la rivera al sureste de la ciudad.

Al año siguiente fundó el grupo Artistas No Figurativos Argentinos (Anfa) y Fotógrafos contemporáneos (Forum) desde donde promovió la fotografía como arte. Además expuso en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires y fue cofundador del grupo Otra Figuración.

Su trayectoria de pintor no figurativo le llevó a experimentar con la fotografía, como en Textos bíblicos, una serie de impresiones fotográficas a partir de negativos pintados y dibujados por él que representan escenas de la Biblia y en las que se ven figuras mayormente abstractas y ciertamente difíciles de identificar. Sus dibujos sobre un soporte transparente le permitían hacer copias y ampliaciones sobre papel fotográfico.

A partir de 1957, realizó una extensa serie de retratos de artistas plásticos, pero no pudo publicarla en forma de libro hasta casi el final de su vida: Retratos y textos de artistas se publicó en 2008. Makarius fue también coleccionista de imágenes antiguas, comisarió exposiciones y publicó ensayos sobre fotografía como Fotografía Argentina desde 1840 hasta 1981, el primer ensayo publicado en su país sobre fotografía.

Colaboró con diarios y revistas. Durante su vida expuso ampliamente en Argentina y también en el exterior: Nueva York, Zúrich, Madrid y Budapest, …. Tras su muerte, dejó un legado de 120.000 negativos y miles de fotografías, así como un considerable número de pinturas, dibujos y collages. La figura humana en todas sus apariencias y estados de ánimo es el tema dominante. Espacio Makarius gestionado por su hijo Karin Makarius incluye también su colección de arte.


Referencias


Libros
  • Buenos Aires y su gente, 1960.
  • Buenos Aires, Mi Ciudad, 1963.
  • Vida Argentina en Fotos (varios), 1981.
  • Fotografía Argentina desde 1840 hasta 1981.
  • Fotógrafos Argentinos del Siglo XX (varios).
  • El Matadero - Makarius, Sameer.
  • Retratos y textos de artistas, 2008.
  • Sameer Makarius: Retrospectiva Artística 1946-2009, 2013.



domingo, 15 de marzo de 2020

Tamio Wakayama

Tamio Wakayama fue un escritor y fotógrafo canadiense de origen japonés (nacido el 3 de abril de 1941 en New Westminster, fallecido el 23 de marzo de 2018 en Vancouver, Columbia Británica) que fue fotoperiodista del Comité Coordinador Estudiantil No Violento (SNCC) durante el movimiento por los derechos civiles estadounidense y llevó su experiencia y espíritu a un renovado activismo en la comunidad canadiense japonesa a finales de la década de los 70.  Como fotógrafo principal del Powell Street Festival durante muchos años, capturó el corazón de esta reunión anual: su diversidad y energía de celebración y empoderamiento.


© Tamio Wakayama
© Tamio Wakayama



El Powell Street Festival es un evento anual en Vancouver que celebra la historia y la cultura de los japoneses en Canadá. En su libro Kikyo: Coming Home to Powell Street, del cual esta foto es portada, sesenta impresionantes fotografías duotono de Wakayama documentan la historia del festival y se entrelazan con las voces de personas involucradas con este evento.



Biografía

Tamio Wakayama nació en 1941, unos meses antes del ataque japonés a la base naval estadounidense de Pearl Harbour en Hawái y al posterior estallido de la Guerra del Pacífico. Él y su familia formaban parte de la comunidad de unos 22.000 canadienses japoneses que fueron declarados extranjeros enemigos, desposeídos de su riqueza, detenidos y llevados a remotos campos de internamiento en el interior de la Columbia Británica donde pasaron los años de la guerra.

Su familia fue separada y su casa, su próspero negocio y su camioneta fueron expropiados y vendidos por el gobierno. Cuando terminó la guerra pudieron juntarse pero tuvieron prohibido varios años volver a su lugar de origen en la costa y tuvieron que comenzar desde cero su vida pobremente en varias ciudades.

Estudió inglés y filosofía en la actual Western University de Londres, Ontario. Simpatizaba con las luchas de los activistas que veía en la televisión. El desafío central de su vida era llegar a un acuerdo con su historia y recuperar un sentido de sí mismo que se perdió en el racismo corrosivo de su infancia. Su largo viaje hacia la redención y el empoderamiento comenzó en 1963 cuando después de completar su tercer año de estudios, viajó de vacaciones a los Estados Unidos con un Wolkswagen Escarabajo comprado con dinero de su madre. Estaba en Memphis cuando escuchó por la radio que una bomba en una iglesia bautista en Birmingham, Alabama, había matado a cuatro niñas y se dirigió allí, entrando en contacto con el Movimiento de Birmingham, y llevando en su “escarabajo” a James Forman, al fotógrafo Danny Lyon y a Julian Bond a la sede del Comité Coordinador Estudiantil No Violento (SNCC) en Atlanta.

Allí se ofreció como voluntario para tareas de conserje y como conductor. Lyon le prestó su segunda Nikon y empezó a hacer fotos de unos activistas que no sabía si seguirían vivos con una policía y un Ku Klux Klan que violaban la ley cuando querían.  Pasó un verano sofocante revelando fotografías en un baño y contribuyendo al periódico semanal del comité.

Wakayama regresó brevemente a Canadá para promover el SNCC en el campus universitario canadiense, pero tuvo que volver para sustituir a un fotógrafo que había sido golpeado, robado y casi linchado por una turba de blancos enfurecidos, para  documentar gráficamente el Verano de la Libertad, una campaña de registro de votantes en 1964, en la que varios activistas de derechos civiles fueron asesinados.

Su experiencia de dos años en el sur de Estados Unidos y su propia historia le han llevado a una dedicación de por vida a documentar problemas sociales como las protestas contra la guerra de Vietnam, comunidades pobres en Toronto y la Columbia Británica, y los pueblos indios en reservas en Saskatchewan, como así como la diáspora de japoneses-canadienses.

Tras pasar un año en Japón explorando las raíces de su familia, Wakayama se estableció en Vancouver, regresando a la costa de la que él y su familia habían sido desalojados tres décadas antes. Se convirtió en comisario y director del Proyecto Canadiense del Centenario, que reunió una colección de fotografías para recuperar la memoria de la comunidad japonesa-canadiense en el barrio de Vancouver que una vez se llamó Little Tokyo. La exposición, titulada Dream of Riches: The Japanese-Canadians 1877-1977, recorrió 40 ciudades de Canadá, Japón y Estados Unidos en una campaña de reparación del dolor causado a esta comunidad.

Documentó el festival anual de Powell Street, que celebraba la vida japonesa-canadiense, y muchas de estas imágenes fueron incluidas en el popular libro de 1992, Kikyo: Coming Home to Powell Street.

Su trabajo ha sido ampliamente exhibido tanto a nivel nacional como internacional en lugares como el Smithsonian Institute. Sus imágenes también han aparecido en numerosos documentales de televisión y cine, revistas, libros, portadas de libros y catálogos. Sus primeras obras fueron mostradas recientemente en una importante exposición itinerante y libro, This Light of Ours: Activist Photographer of the Civil Rights Movement.


Referencias



Libros

  • Dream of Riches: The Japanese Canadians 1877-1977.
  • This Light of Ours: Activist Photographer of the Civil Rights Movement.
  • Soul on Rice: A Nikkei Narrative of the 60s
  • Kikyo: Coming Home to Powell Street, 1992.
  • Signs of Life, 1969.

viernes, 13 de marzo de 2020

Marietta Varga

Marietta Varga es una fotógrafa húngara (nacida en 1992, vive y trabaja en Budapest) cuyo mundo visual es simple,  limpio, equilibrado y con composiciones dirigidas con precisión.  Su sensibilidad en el uso de los colores y la conciencia espacial le ayudan a crear una atmósfera única, con imágenes con un fuerte simbolismo que llevan al espectador a un extraño sueño surrealista.


© Marietta Varga
© Marietta Varga


Rara vez algo en la realidad se ve igual que en nuestros recuerdos. Esa mañana fue la primera vez en mucho tiempo que pude ver mi ciudad natal precisamente como existía en mi mente.



Biografía

Marietta Varga completó sus estudios de Fotografía en la Universidad de Arte y Diseño Moholy-Nagy entre 2013 y 2016.

Creció en Siófok, una pequeña ciudad de 25.000 habitantes a la orilla del lago Balatón, el lago más grande de Europa Central, y que es un centro de veraneo que multiplica hasta 7 veces su población en la estación estival.  Para la mayoría de la gente Siófok es un lugar de vacaciones, con su lago azul y los recuerdos de momentos felices del verano, pero para los que crecen aquí la ciudad se ve de una manera completamente diferente. Marietta volvió a este lugar después de más de 10 años, y cada vez que regresa siente una profunda nostalgia. Su serie My Town Siófok II muestra esta ciudad  en un contexto inusual e inesperado, con su estilo personal lleno de armoniosas combinaciones de colores y composiciones meticulosas.

Previamente, en Behind Me, un proyecto más personal, ya había visualizando en imágenes sus recuerdos de la infancia, olvidados o no, pero que subconscientemente afectaban a su vida cotidiana. También ha usado los detalles de estructuras arquitectónicas y superficies construidas en relación con el cuerpo humano y su presencia, en series como Raw Hill, y finalmente en Another Rome muestra una ciudad sin turismo, desprovista de la presencia humana, sólo arquitectura.


Referencias

miércoles, 11 de marzo de 2020

Alan Schaller

Alan Schaller es un fotógrafo inglés (nacido en 1988, vive en Londres) cuya obra personal es siempre en blanco y negro y, a menudo, abstracta, incorporando elementos de surrealismo, geometría, alto contraste y las realidades y diversidades de la vida humana.


Florencia © Alan Schaller
Florencia © Alan Schaller


Metrópolis es una serie que examina cómo estamos empequeñecidos en el mundo moderno que nos rodea y a menudo perdidos en él. La exposición es una selección de una serie en curso que ha estado activa desde 2015, y está realizada en varios países del mundo. Hay una sensación de unidad proveniente de la atmósfera y del estado de ánimo generado en las fotografías, que a menudo son de otros mundos, solitarias y abstractas.


Biografía

Alan Schaller es un multi-instrumentista con experiencia en la producción musical, un campo en el que trabajó antes de que la fotografía llamara a su puerta. Poco después de comprar su cámara se encontró con una exposición de fotografía de calle de la obra de Henri Cartier-Bresson, y quedó impresionado por lo inteligente que era todo. Esas fotografías no habían sido planeadas ni realizadas en un estudio y se dio cuenta que los momentos extraordinarios ocurren a nuestro alrededor todo el tiempo. Quiso ver si él podría hacer lo mismo: crear algo usando nada más que el entorno, luz natural y su propia mirada.

Desde las sombras de un paisaje urbano, Alan compone narraciones del caos que lo rodea. Limitando el ruido de su entorno, imagina las historias que los espacios quieren contar, capturando la armonía de la imprevisibilidad de la vida simplemente observando.

Ha publicado en The Guardian, The Financial Times, Time Out, The Independent, The New York Times T Magazine, The Washington Post, South China Morning Post y The Evening Standard.  en línea y en papel. Expone regularmente como las recientes en la Galería Saatchi, The Leica Gallery en Londres, Boston, Washington D.C, Sídney y Melbourne  y Edit Space en Milán.

Ha trabajado para Apple, Philips, Huawei Mobile, Union Coffee, Nokia, Kew Gardens, Huntsman of Savile Row y London Fashion Week. Es embajador de Leica.

Es cofundador del Street Photography International Collective (SPi), un colectivo creado para promover trabajos de fotografía de calle, cuya cuenta de Instagram es el mayor recurso dedicado a la fotografía callejera del mundo con más de 1,1 millones de seguidores. Aparte de la fotografía, Alan ha escrito artículos para el Independent centrándose en cuestiones humanitarias.

Referencias